Wayne McGregor: "Nuestros cuerpos son historias".  Babel

Wayne McGregor: “Nuestros cuerpos son historias”. Babel

El coreógrafo británico Wayne McGregor (Stockport, 51) ha sido designado por un mandato de cuatro años como nuevo director del sector de danza de la Bienal de Venecia, cuya nueva edición arranca el próximo viernes 23 de julio. Sus propuestas radicales, su valentía rompedora y su estética, basada en los últimos desarrollos tecnológicos, fueron popularizados por la crítica y los más diversos públicos y aclamados como un arte lleno de nuevas ideas y con un futuro evidente en las artes escénicas. Sus obras forman parte del repertorio de las mayores compañías de ballet y teatros de ópera, y sus obras van desde la música contemporánea hasta la dirección de óperas barrocas y cine. Motivado por los grandes debates de la actualidad, desde la ecología hasta las cuestiones de género, los campos virtuales o la inmersión tecnológica, esta creadora da pasos decisivos en la búsqueda de un estilo tachado por un lema tan controvertido como estimulante: la técnica académica como herramienta de liberación.

Pregunta. Todos los coreógrafos sueñan con el éxito como su ballet Croma, pero no todos tienen éxito. ¿Este trabajo marca tu carrera?

La respuesta. Cuando empiezas a hacer ballet, nunca piensas si funcionará o no. Creas lo que estás destinado a crear. Sin embargo, descubre la esencia del ballet sólo cuando la comparte con el público; la audiencia es la última parte del círculo creativo. Cuando una obra resuena, desafía, inspira a tu audiencia, puedes sentirla y Cromo siempre lo ha logrado en todo el mundo, dondequiera que esté representado.

P. ¿Cree en el ballet narrativo?

R. Me parece muy interesante contar historias de otras formas y promover convenciones narrativas en la danza. Este año estrenaré una nueva obra en Covent Garden, El Proyecto Dante, que busca explorar la obra maestra poética que es Divina Comedia en una serie de “traducciones”. La próxima temporada crearé una obra en tres actos con la escritora Margaret Atwood basada en su trilogía.señora. De todos modos, ¿cuándo la danza no es una historia? Nuestros cuerpos son historias.

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C. Con las óperas prefieres el barroco y el rococó. ¿Te consideras neobarroco, manierista?

R. No me defino de ninguna manera específica. No hay reglas en la creación, no hay reglas en el ballet, la ópera o el cine, y no quiero poner límites. Todavía tengo curiosidad, abierto. Cuando surgen oportunidades de las que creo que puedo aprender, artistas con los que puedo colaborar y crecer, las aprovecho.

P. El ballet actual proviene principalmente del teatro isabelino, de esquemas presentes en la época de Marlowe y Shakespeare: conversaciones en vivo con los muertos, actores soñando, la historia en retrospección

R. Me resuena la idea de que el cuerpo es un archivo. Somos la suma de nuestra memoria genética, somática y emocional. Creamos un conjunto de datos que usamos para navegar entre lo conocido y lo desconocido. Esto también se aplica a la danza: estamos en comunión con artistas del pasado. Hablamos con ellos y de ellos. En mi caso, los estadounidenses posmodernos: Merce Cunningham, Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton están conmigo en el estudio, así como Macmillan, Ashton, Forsythe …

Pregunta: “Creo que la arquitectura y la coreografía tienen mucho en común, y ambos se relacionan con la forma en que los cuerpos se mueven a través del espacio”, dijo. Esta simbiosis ha estado presente desde la época de la Bauhaus. ¿Te influye esta tradición?

R. El espíritu de la Bauhaus es fundamental para mi práctica creativa y me inspira este grupo de artistas: Gropius, Miss, Schlemmer, Annie y Joseph Albers … Su redefinición radical de lo que era posible, su instinto de colaboración, su Sentir la generación y defensa del movimiento en el arte y su aplicación en diferentes contextos y situaciones me habla profundamente.

Necesitamos alejarnos de esta noción de que la tecnología automáticamente equivale al frío y pensar en cómo nos mantuvo en contacto durante esta pandemia.

P. ¿Qué opinas del uso de las nuevas tecnologías en la danza? ¿A dónde va dirigida la coreografía y qué papel jugará el bailarín en vivo? La practica de transmisión para crear una nueva “escena fría”?

R. Necesitamos salir de esta noción de que la tecnología automáticamente equivale al frío y pensar en cómo la tecnología nos mantuvo en contacto durante esta pandemia, donde una generación adulta ha aprendido a usar estas tecnologías de la comunicación para mantenerse en contacto, estar con la familia y amigos. Esto es esencial para nuestro bienestar emocional y riqueza interior. Por supuesto, siempre debemos cuestionar su uso, pero la tecnología a menudo nos acerca a comprender nuestro cuerpo y nos motiva a ser mejores. Sin clases en transmisión,, actuaciones, conversaciones y otros proyectos, el mundo del arte sería destruido de manera más dramática durante esta pandemia. Sin embargo, nada puede reemplazar la inmediatez, la conexión profunda que obtenemos cuando usamos nuestro toque, nuestros cuerpos para estar juntos en un espacio, sintiéndonos juntos, compartiendo una respiración colectiva. Este es el poder de la danza en vivo, la danza y la danza en vivo.

Pregunta: Le parece que el vocabulario académico del ballet es solo una de las herramientas disponibles, entre otras. ¿Necesitas encontrar tu propio idioma para empezar a crear desde cero?

R. Respondo a esto solo con los cuerpos y la imaginación de las personas que tengo frente a mí. Amo a los bailarines y amo bailar. Me encanta encontrar problemas que los cuerpos puedan resolver y me maravillo de la asombrosa herramienta tecnológica que es el cuerpo humano. Nunca he aspirado a ser innovador o intentar ser revolucionario, solo hago cosas que me estimulan, que me hablan. Mis bailes vienen de adentro, todos son autobiográficos en cierto sentido.

P. Usted fue designado para dirigir la Bienal de Venecia en medio de una pandemia y tuvo que desarrollar el programa en condiciones adversas y complejas. ¿Pudiste hacer lo que querías?

R. Me sentí honrado de ser invitado y acepté de inmediato. Tenemos que volver a encarrilar las actuaciones en directo. Sentimos envidia de lo que se ha conseguido en España en este sentido. Quería crear un festival de artistas que se conozcan y compartan su brillantez, en vivo y en tiempo real. Que nos toquen con sus ideas, energía y presencia. Hubo desafíos, pero también grandes oportunidades. Estamos satisfechos con lo que hemos desarrollado para esta edición.

P. La bailarina y coreógrafa española Iratxe Ansa estará en esta edición. ¿Cómo encaja tu participación?

R. Iratxe e Igor Bercovich están desarrollando una obra contemporánea fascinante y nos complace que compartan su visión del festival. También admiro su espíritu emprendedor: hacen que las cosas sucedan en lugar de esperar a que otros inventen un viaje para ellos. Están activos y necesitan crear.

P. El coreógrafo senegalés Germain Aconi recibió el León de Oro por su trayectoria. El multiculturalismo está fuertemente representado en el festival. ¿Tu elección forma parte de la tendencia actual o responde a los imperativos artísticos?

R. Germain es una figura icónica de la danza contemporánea en África, así como un artista destacado de una respetable edad de 77 años y un maestro deslumbrante. Quiero que la bienal refleje la diversidad en diferentes direcciones: género, raza, edad, para compartir el trabajo de artistas que trabajan con los marginados, que son invisibles para un público más amplio y que tienen un fuerte sentido de quiénes son y qué quieren. . decir; de formas que no hemos experimentado. Definitivamente nos enfocaremos en eso.

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